Произведения искусства которые повлияли на историю. Влияние науки на искусство и что из этого получается
ИСКУССТВО И ИСТОРИЯ: СУЩНОСТЬ ВЗАИМОВЛИЯНИЯ Семенова А. Н., Тарасова М. В. СФУ, Гуманитарный институт, факультет искусствоведения и культурологии, кафедра искусствоведения Красноярск, Россия ART AND HISTORY: THE NATURE OF INTERRELATIONSHIP Semenova A. N., Tarasova M. V. The Siberian Federal University, the Institute of Humanities, the Art and Culture Studies Department Krasnoyarsk, Russia Факт влияния исторических событий на искусство на протяжении времени неопровержим. Новые стили в искусстве возникали из-за изменений в отношении человека к миру, явившихся результатом постоянного бега времени, значимые исторические события фиксировались в произведениях художественной культуры, будто иллюстрируя эпоху. Кроме того, каждый человек искусства принадлежит к определенному времени и хотя бы косвенно, но отражает в своем произведении актуально-историческую ситуацию. Искусство, таким образом, становится своеобразной летописью сменяющихся эпох, записывающей все изменения времени точнее любого ученого. Но неужели искусство всегда только следует за историей, то догоняя, то отставая от событий современной реальности? Быть может, случается так, что история вынуждена подчиниться силе искусства и развиваться под его влиянием иначе? Ведь, как и история, искусство – дело рук человека, и всё зависит лишь от того, какие люди в определенную эпоху окажутся нужнее человеку эпохи вообще: люди, меняющие историю, или люди, творящие идеалы, произведения искусства? Эта проблема остается важной и в наше время, так как взаимовлияние истории и искусства создает картину мира определенной эпохи в целом. Если допустить, что факт обратного влияния возможен, то, чтобы доказать его, необходимо рассмотреть одновременно исторические и художественные процессы и понять их взаимодействие. Столь значительное для истории событие, как Столетняя война Англии и Франции (1337-1453), стало целой эпохой внутри европейского Средневековья и самым длительным в истории человечества военным конфликтом. Особенно тяжело перенесла эти времена Франции, территория которой стала ареной боевых действий и внутренних противоречий. Не смотря на все трудности, Франции удалось одержать победу в 116летней войне за свою свободу, которую во многом принесли стране простые люди, поднятые призывами Жанны д"Арк и других патриотов. При этом художественная культура времени Столетней войны характеризуется, что интересно, не упадком, а напротив, сильным подъемом. Среди смерти и болезней, бедствий и разрушений парадоксально строительство «воздушных» готических храмов, возносящих молитвы страдающего человека о спасении к Богу. В конце XIV-начале XV вв. осуществляется переход от зрелой готики Франции к поздней в связи с отчаянным желанием человека спастись среди всего происходящего вокруг, докричаться до Господа любыми путями. Это время тяжелейших поражений для страны, практически лишенной независимости и захваченной англичанами. Позднеготические храмы стали еще более вытянутыми вверх, декоративные элементы приобретают огненную, устремленную к небесам форму. Как пламенеет пожар в душе верующего, так сам храм становится почти полностью прозрачным от витражных окон, являя собой Горний Град среди земного хаоса. Кроме того, показательно развитие самого типа городского собора, вмещающего (собирающего) в себя все население города и являющегося его «сердцем». Его слитные объемы объединяют верующих в едином молитвенном порыве так же, как народное движение объединило под своими знаменами почти все население Франции для борьбы за свободу своей Родины. Храмовая скульптура готических храмов, оживляющая соборы, в эпоху Столетней войны большое внимание уделяет Богоматери. Усиление Её культа говорит о необходимости в мировоззрении человека времени Столетней войны обрести успокоение у близкого, человечного Божества. Образ Матери Бога выступает здесь и образом Матери всего человечества, готовой выслушать все печали несчастного человека и донести молитвы к Господу. Стремление изменить страшную реальность наблюдается не только в храмовом искусстве, но и в народной литературе, где появились песникомпленты, составлявшиеся простыми людьми, описывающими тяготы жизни и надежды на светлое будущее. Художественные образы, созданные в период Столетней войны, помогли человеку осознать, что он способен победить, и народ, объединенный верой и патриотизмом силой произведений искусства, смог освободить свою страну. Человек, угнетенный историческими событиями, может найти выход из духовного кризиса с помощью художественной культуры. Именно художественные произведения сильнее всего влияют на внутренний мир человека, изменяют его отношение к миру. Человек существует в определенной реальности, которую стремится изменить. Это возможно лишь с помощью искусства, где создаются такие пространства, в которых человека окружает иной мир (во время войны строятся храмы). Помогая людям найти идеалы, искусство показывает путь к новой реальности, толкает к действиям, способным изменить окружающий мир, а, значит, изменить ход истории. Процесс влияния истории на искусства и искусства на историю не останавливается ни на мгновение. Взаимовлияние обогащает обе развивающиеся сферы, что подтверждает актуальность данной проблемы. динамично
Но не все теории о смысле произведений явно настолько бредовые. Некоторые умудряются быть одновременно и весьма убедительными, и совершенно умопомрачительными.
1. «Сатир, оплакивающий нимфу» на самом деле показывает жестокое убийство
Картина написана Пьеро ди Козимо в 1495 году, и на ней якобы изображена сцена из «Метаморфоз» Овидия. В этой истории Прокрида была случайно убита в лесу её мужем, охотником Цефалом, который по ошибке принял жену за дикого зверя и пронзил её копьем.
Это типичный выбор сцены для художника эпохи Возрождения, но есть одна проблема. Внимательное изучение показывает, что изображенная на картине Козимо Прокрида не могла быть убита случайно.
По словам британского профессора Майкла Баума, все признаки указывают на то, что полотно изображает зверское убийство. У Прокриды имеются глубокие рваные раны на руке, как если бы она пыталась отражать ножевые атаки. Наконец, на шее также имеется рана.
Вместо изображения сцены романа картина Козимо показывает нам последствия яростной атаки ножом. Вероятно, это не было сделано преднамеренно. Профессор Баум подозревает, что Козимо попросил местный морг одолжить ему труп, для того чтобы зарисовать жертву убийства.
2. Диего Ривера показал, что у Дж. Д. Рокфеллера-младшего был сифилис
Произведение Диего Риверы «Человек, управляющий Вселенной» - одно из заметных творений в мексиканском искусстве живописи. Первоначально фреска была написана по заказу для Рокфеллер-центра, но позже реконструирована в Мехико, после того как Нельсон Рокфеллер уничтожил фреску.
Ему не понравилось, что на ней был изображен Ленин. Восстановление изображения стало также монументальным актом мести. Фреска утверждает, что у отца Нельсона Рокфеллера был сифилис.
Одними из ключевых элементов росписи стали эпизоды последних научных открытий. Галактики, взрывающиеся звезды, множество бактерий, плавающих над головами мужчин и женщин…
После того как Нельсон Рокфеллер уничтожил оригинальную версию, Ривера нарисовал его отца, Дж. Д. Рокфеллера-младшего, в окружении бактерий - возбудителей сифилиса.
Это еще не все. Несмотря на то что Дж. Д. Рокфеллер-младший был на протяжении всей своей жизни трезвенником, Ривера нарисовал его с мартини в руке и женщинами, похожими на проституток. Для усиления эффекта он поместил Ленина на переднем плане.
3. На картине «Изабелла» мужчина скрывает свою эрекцию
Один из корифеев движения прерафаэлитов Джон Эверетт Милле, вероятно, наиболее известен сегодня картиной «Офелия». По крайней мере, так было до 2012 года, пока исследователи не обнаружили нечто неожиданное в его картине «Изабелла». На ней изображена сцена из «Декамерона» Боккаччо, и на пиршественном столе явно просматривается тень от эрегированного члена.
«Декамерон» - одна из самых эротических книг, когда-либо написанных, и картина полна ссылок на сексуальность. Вытянутая нога персонажа представляет собой фаллический символ, а кучка просыпанной соли около тени от пениса, вероятно, символизирует семя. Это выглядит непристойно, но вместе с тем совсем не как обычная порнография.
4. La Primavera выражает любовь к садоводству
Это одно из самых известных произведений Боттичелли в галерее Уффици во Флоренции. La Primavera также одна из самых загадочных картин Боттичелли. Из-за того, что на ней изображена группа женщин, которые ходят по небу, как по лугу, эксперты по-прежнему утверждают, что у картины есть аллегорический смысл.
Но есть одна теория, выделяющаяся из всех остальных своей доказательностью и странностью, которая утверждает, что картина - о садоводстве.
Эта версия выглядит правдоподобной из-за умопомрачительной скрупулезности, с какой автор выписывает каждое растение. По официальным оценкам, на картине изображено, по крайней мере, 500 тщательно отрисованных различных растений почти 200 различных видов.
Некоторые полагают, что это были все растения, которые произрастали в 15-м веке во Флоренции и цвели с марта по май. Другие утверждают, что эти растения Боттичелли придумал сам, специально для этой картины.
5. «Урок музыки» наполнен сексуальностью
Созданный Йоханнесом Вермеером в 1660-е годы «Урок музыки» считается одной из величайших картин, изображавших голландскую жизнь 17-го века. Молодую девушку учит играть на клавесине красивый репетитор.
Это фотореалистичное изображение типичного дня высшего общества во времена Вермеера. По крайней мере, это стандартное объяснение. Некоторые же считают, что картина пронизана сексом и скрытой страстью.
Согласно этой теории картина наполнена маленькими ключиками к пониманию сексуальной напряженности между девушкой и ее наставником. Неудивительно, что образ девушки связан с девственностью, но зеркало над клавесином показывает, что девушка на самом деле во время игры смотрит на учителя.
Кувшин для вина - афродизиак, в то время как инструмент на полу интерпретируется как огромный фаллический символ. Если рассматривать картину с такой точки зрения, то возможно даже предположить, что зритель - это вуайерист.
И это не только в случае с этой картиной. Некоторые искусствоведы утверждают, что присутствие музыки на картинах Вермеера всегда символизирует сексуальность, что делает его творчество очень странным.
6. «Ночная терраса кафе» напоминает о «Тайной вечере»
Нарисованная в 1888 году «Ночная терраса кафе» - одна из наиболее важных работ Ван Гога, полностью раскрывающих особый стиль художника. Она также одна из самых его любимых. Но некоторые утверждают, что в ней имеется гораздо более глубокий подтекст. Согласно недавней теории «Ночная терраса кафе» отсылает нас к «Тайной вечере».
С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арткритики утверждают, что картины художника наполнены христианской образностью.
В случае с «Ночной террасой кафе» эта образность проявляется в виде Иисуса, пришедшего поесть со своими учениками. Если внимательно посмотреть на обедающих, то можно увидеть, что их двенадцать и они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами.
Что характерно, есть даже ряд крестов, спрятанных на картинке, в том числе один непосредственно над фигурой Христа. Есть и другие доказательства в поддержку этой теории.
Когда Ван Гог писал брату о живописи, он утверждал, что мир испытывает «огромную потребность» в религии. Он был также глубоко увлечен Рембрандтом и выражал желание оживить свой стиль тонкой христианской символикой. «Ночная терраса кафе» вполне может служить доказательством того, что, в конечном счете, ему это удалось.
7. «Аллегория с Венерой и Амуром» предупреждает о сифилисе
Картина, которая показывает Венеру и Амура, собирающихся заняться сексом на фоне лысого мужчины, всегда тревожит воображение. Даже по меркам своего времени картина Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром» темновата.
Несмотря на восторженные отзывы о произведении как об эротический картине «особой красоты», есть много доказательств, что это действительно предупреждение о сифилисе. Об этом свидетельствует кричащая фигура в левой части картины.
Хотя в классическом описании картины сказано, что это метафора ревности или отчаяния, внимательное изучение показывает, что ей на самом деле очень плохо. Пальцы фигуры опухли, как у больных сифилисом, на них не хватает ногтей, а волосы имеют признаки сифилитической аллопеции. Беззубые дёсны предполагают отравление ртутью, которой пытались лечить сифилис в Италии эпохи Возрождения.
У одного из персонажей в ногу впился шип розы, но он этого не замечает. Такое отсутствие ощущений будет непосредственным результатом сифилитической миелопатии. Иными словами, на картине изображены страдания, которые ожидают в будущем тех, кто пойдет на поводу у страстей.
8. El Autobus рассказывает об ужасной катастрофе
Картина мексиканской художницы Фриды Кало El Autobus, написанная в 1929 году, показывает жизнь мексиканского сообщества. Домохозяйка, рабочий, мать-индианка и богатый бизнесмен-гринго, несмотря на социальные различия, ожидают автобус рядом с девушкой, которая, вероятно, означает саму Фриду. Все персонажи этой картины не знают, что их ожидает ужасная авария.
В 1925 году Кало ехала на автобусе, который врезался в трамвай. Столкновение было настолько сильным, что тело Кало насквозь проткнуло металлическим поручнем.
Ее более поздние работы часто ссылаются на эту аварию, подразумевая, что то, что она выжила в катастрофе, чудо. El Autobus также не является исключением. Есть предположение, что рабочий на картине - как раз тот человек, который спас жизнь Кало, вытащив сломанный поручень из её тела.
9. Картины голландской школы живописи - картины в картинах
Голландский золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и в другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали «картины в картинах».
Эти «картины в картинах» рисовали не только Вермеер и его товарищи по кисти. Некоторые считают, что такие картины содержат специальный символьный код. Одним из примеров такого стиля является картина «Тапочки» Самуэля ван Хугстратена.
На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат посреди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера «Отец отчитывает свою дочь».
На первый взгляд, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована в борделе. По-видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, но так как зал пуст - возможно, они ушли заниматься сексом.
В других случаях код был тоньше. На картинах «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» (на фото) Габриэль Метсю изобразил молодого человека, пишущего письмо своей возлюбленной, и его прочтение.
На второй картине изображение корабля в бушующем море символизирует бурную природу их дальнейшей связи. На картине «Любовное письмо» Вермеера корабль под зловещими тучами внушает мысль о возможных плохих новостях.
Вы можете найти сотни примеров таких голландских картин «внутри картины», которые тонко изменяют смысл основного изображения.
10. Работы Л. С. Лоури полны скрытых страданий
Этот художник середины 20-го века известен картинами, изображающими северо-запад Англии. Л. Лоури часто рисовал огромные городские сцены с толпами «аферистов». Хотя он был популярен, мир искусства в течение длительного времени не признавал его картины, считая их тривиальными. На самом деле картины Лоури наполнены скрытыми человеческими страданиями.
На полотне 1926 года «Несчастный случай» нарисована толпа людей, которые собрались возле озера и смотрят на него. На самом деле художника вдохновила сцена самоубийства в этом месте, а толпа собралась поглазеть на труп утопленника.
На других картинах Лоури изображены персонажи, смотрящие кулачные бои, несчастные, которых выселяют из дома, или просто люди, глядящие из окон в подавленном настроении.
Ни в одной картине трагедия никогда не выпячивается. Все остальные люди продолжают жить своей повседневной жизнью, не подозревая о страданиях своих ближних. В этом мире мы совершенно одни, и наша боль ничего не значит для других. И это, наверное, самое страшное скрытое послание.
Какой язык понятен всем славянам?
Какую ошибку при пользовании столовым ножом совершают почти все?
Почему женщины стали носить бюстгальтеры?
Циникам и реалистам это покажется глупым, но остальным рекомендую.
Искусство для каждого открывается по-своему, потому что оно воспринимается каждым человеком через призму его личного мировоззрения. Независимо от того, что произведение искусства может означать для вас, совсем не обязательно, что оно означает то же самое для человека, стоящего позади вас, поэтому ваши мнения могут полностью отличаться от замысла художника. Но каждое произведение искусства хранит историю своего создания. Некоторые из них насчитывают десятки и даже сотни лет, но есть и такие, которые появились сравнительно недавно.
10. «Портрет четы Арнольфини»
«Портрет четы Арнольфини», написанный в 1434 году голландским художником Яном ван Эйком, рассматривается историками не только как одна из самых важных картин в истории, также является причиной многих споров. Прежде всего, картина написана маслом - в наши дни это обычно, но в Западной Европы начала 15-го века встречалось довольно редко.
Это позволило Ван Эйку полность раскрыть свой талант с помощью способов, которые редко встречаются в других картинах того времени. Если вы внимательно посмотрите, то увидите, что зеркало на задней стенке отражает всю комнату, в том числе две дополнительные фигуры, стоящие в дверном проеме. Также можно заметить собаку. Художник учитывает искажение выпуклого зеркала. Невероятно, но даже небольшие медальоны внутри рамы зеркала тщательно выписаны и изображают сцены из Страстей Христовых.
Тем не менее, наиболее спорная часть картины не зеркало, а сама пара. Для того времени было необычным рисовать просто стоящих посреди комнаты людей, поэтому историки утверждают, что в картине мог быть более глубокий смысл. В частности, некоторые считают, что работа изображает молодожёнов, а таинственные фигуры в дверях принадлежат свидетелям. С этим утверждением согласны не все, и эксперты проанализировали каждую деталь в картине - как расположена пара, как они держатся за руки, как женщина носит волосы, - чтобы попытаться установить связь между двумя изображёнными людьми. Но общего мнения пока не найдено.
9. «Писающий мальчик»
Если вы когда-нибудь будете в Брюсселе, не забудьте поприветствовать одну из самых известных в Бельгии достопримечательностей, скульптуру «Писающий мальчик». Как и предполагает название, она изображает маленького мальчика, который мочиться в фонтан. Архивные данные указывают, что первая скульптура была установлена примерно в 1388 году. Тогда это была каменная статуя, выступающая в качестве публичного фонтана, но в какой-то момент статуя была либо уничтожена, либо украдена. В том виде, который мы видим сегодня, скульптура была создана и установлена в 1619 году, и создал её фламандский скульптор Жером Дюкенуа.
Есть немало легенд, окружающих происхождение скульптуры. Самая известная рассказывает о маленьком мальчике, который спас осаждённый Брюссель. Мальчик помочился на горящий фитиль, когда враг пытался взорвать городские стены. Другая легенда гласит, что статуя изображает двухлетнего герцога Готфрида II (графа Лувена). Согласно истории, во время боя его воины поместили мальчика в корзину и повесили её на дерево. Оттуда он мочился на врага, который в итоге проиграл бой.
В настоящее время статуя является одной из главных туристических достопримечательностей города. Часто можно увидеть, что «Писающий мальчик» одет в лёгкий спортивный костюм. Это потому, что, начиная с 18-го века, появилась традиция одевать его в модную одежду. «Мальчик» постоянно получает новую одежду, и его гардероб в настоящее время насчитывает более 900 костюмов.
8. «Сад земных наслаждений»
Одной из самых сложных и масштабных картин, которую вы, вероятно, когда-либо сможете увидеть, является картина «Сад земных наслаждений». Технически, это триптих (три отдельные панели), выполненный нидерландским мастером Иеронимом Босхом между 1490 и 1510 г.г. Левая панель изображает Адама и Еву в Эдемском саду. Средняя панель показывает богатую панораму со множеством персонажей, как людей, так и животных, занятых различными делами. Правая панель показывает тёмный, адский мир.
На первый взгляд, Босх явно изобразил небо, землю и ад, возможно даже, в качестве предупреждения против всех соблазнов жизни. Картина настолько сложная, что даже сегодня искусствоведы открывают новые детали. Например, большую роль в триптихе играют фигуры музыкантов. Многие из персонажей используют музыкальные инструменты нетрадиционными способами (вроде игры на флейте, вставленной между ягодиц). Музыковеды из Оксфорда воссоздали инструменты по изображениям и попытались сыграть на них. Выяснилось, что звучат они просто ужасно.
Существует много мнений о «музыкальном аде» Босха. Недавно обнаружили, что у одного из персонажей в аду на ягодицах напечатаны ноты. Ноты расшифровали, и тем самым появилась запись «адской музыки» 600-летней давности.
7. Гобелен из Байё
Гобелен из Байё является одним из самых важных артефактов, выживших во времена средневековья. Это полоса ткани длинною 70-метров содержит вышивки 50 сцен, изображающих борьбу между Вильгельмом Завоевателем и королём Гарольдом во время вторжения норманнов. Несмотря на то, что ему более 900 лет, гобелен всё ещё находится в замечательном состоянии, хотя в нём явно не хватает заключительного раздела.
Если быть педантичным, то технически гобелен из Байё не является гобеленом. Это вышивка, которая, хотя и похожа на гобелен, выполнена другим способом. Тематические сюжеты вышиты на основной ткани, а не сотканы воедино на ткацком станке.
Старая история гласит, что гобелен делали монахини по всей Англии, а затем отдельные куски были сшиты вместе, но это маловероятно. Современные специалисты полагают, что, хотя изображения во многих сценах отличаются друг от друга, методы вышивки остаются неизменными. Это привело их к выводу, что гобелен, скорее всего, был сделан одной командой профессиональных вышивальщиц.
История происхождения гобелена является большой загадкой. В течение длительного времени инициатором его создания считался брат Вильгельма, епископ Одо. Тем не менее, в последнее время появилась теория, которая говорит, что, возможно, он был создан благодаря Эдит Годвинсон, сестре побеждённого Гарольда, которая хотела завоевать благосклонность нового короля. Один из историков называет в качестве одного из дизайнеров аббата Сколланда, потому что в одной из сцен гобелена он изображён в качестве её свидетеля.
6. «Персей с головой Медузы»
Посетив площадь Синьории во Флоренции, вы окажетесь посреди удивительной выставки искусства эпохи Возрождения. Это потому, что на площади расположена большая коллекция бесценных статуй, в том числе «Геракл и Какус» Бандинелли, «Похищение сабинянок» Джамболоньи и «Львы Медичи». Тем не менее, наибольшее внимание привлекает шедевр Челлини «Персей с головой Медузы».
Название этого произведения искусства прямо говорит о том, что Вы должны увидеть. Челлини изображает Персея, держащего в руке голову Медузы, в то время как её безжизненное тело лежит у его ног. Популярная в греческой мифологии история до сих пор находит отклик у публики. Статуя была создана по заказу Козимо I де Медичи, когда он стал великим князем. Она была открыта для публики в 1554 году. Тогда Персей был установлен на площади вместе с вышеупомянутой статуей Геркулеса, скульптурой «Давид» работы Микеланджело и композицией «Юдифь и Олоферна» Донателло. В то время как работы Микеланджело и Донателло со временем были помещены в музеи, а их место на площади заняли копии, оригинальный Персей остаётся на площади в течение почти 500 лет, лишь изредка подвергаясь небольшой реставрации.
Челлини нашёл странный способ пометить свою работу (кроме написания своего имени на поясе Персея). Если вы посмотрите на голову Персея сзади, то сможете увидеть, что его шлем и волосы образуют лицо и бороду. Хотя это и не совершенный образ, многие согласятся, что на затылке своего скульптурного героя Челлини изобразил самого себя.
5. Бюст Ленина
Удивителен не сам бюст Ленина. А то, что один бюст установлен посреди Антарктиды. Он находится на полюсе недоступности, наиболее удалённом месте на Южном полюсе.
Ещё во времена холодной войны американцы построили научную станцию на Южном полюсе. Чтобы превзойти СССР, но в 1958 году СССР построили ещё одну. Они построили её в самом труднодоступном месте, какое смогли найти. СССР оставались там в течение нескольких недель, затем установили на постаменте бюст Ленина и покинули станцию.
В течение следующего десятилетия несколько новых экспедиций проделали свой путь к научно-исследовательской станции, последняя из них была в 1967 году. В последующие 40 лет и станция и бюст были забыты. В 2007 году канадско-британская команда исследователей Антарктики хотела установить рекорд и стать первыми людьми, сумевшими достичь полюс недоступности пешком. После 49-дневного похода, когда они достигли своей цели, их встретил только бюст Ленина. Всё остальное теперь покрыто снегом.
4. «Поклонение волхвов»
Само название «Поклонение волхвов» посвящено знаменитой библейской сцене, когда три волхва последовали за звездой и принесли подарки младенцу Иисусу. Эта сцена была отмечена в искусстве много раз, и многие великие художники рисовали свою собственную версию, в том числе Боттичелли, Рембрандт, Леонардо и Рубенс. Однако мы заинтересовались работой Джотто, итальянского художника 13-го века, чья собственная версия «Поклонения волхвов» считается одним из величайших шедевров. Особо следует отметить изображение Вифлеемской звезды, которая, по мнению некоторых исследователей, была написана Джотто после прохождения кометы Галлея.
Временные параллели прослеживаются довольно чётко. Джотто закончил картину в 1305 году, но начал её в 1303. В 1301 году комета Галлея проходила мимо Земли, так что вполне возможно, что Джотто мог видеть её и был вдохновлен ею. Но даже если это так, всё равно его изображение кометы не было первым, на вышеупомянутом Гобелене из Байё есть изображение прохождения кометы в 1066 году, всего за несколько месяцев до норманнского завоевания. Кажется, что люди в Европейском космическом агентстве настолько уверены в научной достоверности картины, что в честь художника назвали свой цикл исследований кометы Галлея «Джотто».
3. «Провозглашение независимости»
Одной из самых знаковых картин в истории США считается «Декларация независимости» Джона Трамбулла. Сделанная по заказу в 1817 году картина находилась в здании Капитолия США в течение почти 200 лет, и даже изображена на двухдолларовой банкноте.
Из-за названия и значения, придаваемого картине, многие люди ошибочно полагают, что работа изображает подписание Декларации независимости. В действительности она показывает, как редакционный комитет из пяти человек во главе с Томасом Джефферсоном (в их числе: Бен Франклин, Джон Адамс, Роджер Шерман и Роберт Ливингстон) представляет первый проект декларации Президенту Континентального конгресса Джону Хэнкоку.
На картине показаны 42 человека из 56, которые в конечном итоге пойдут на подписание декларации. Трамбулл хотел изобразить всех, но не смог найти достоверных изображений внешности 14-ти остальных. Некоторые архитектурные особенности Зала Независимости, где произошло событие, неточны, потому что они были написаны по эскизу Томаса Джефферсона, который тот делал по памяти.
На первый взгляд кажется, что Томас Джефферсон наступил на ногу Джону Адамсу, и некоторые полагают, это должно было представлять политическую напряженность между ними. Тем не менее, при ближайшем рассмотрении оказывается, что их ноги стоят рядом. Чтобы не было сомнений, изображение на двухдолларовой купюре было изменено, чтобы создать видимость большего пространства между их ногами.
2. «Венера с зеркалом»
Диего Веласкес был одним из ведущих художников Золотого Века Испании, и «Венера с зеркалом» считается не только одной из его лучших работ, но и наиболее спорной. Предметом дискуссий является её «безнравственность» - обнажённая Венера лежит спиной к наблюдателю и смотрится в зеркало.
Эротизм картины зашёл настолько далеко, что она стала самой откровенной картиной того времени. Тем не менее, Веласкес закончил картину в 1651 году, когда испанская инквизиция имела достаточно полномочий, чтобы решать, что было разрешено, а что нет, и нагота в искусстве была в списке «неприличных» тем. Обычно этого было достаточно, чтобы художник был оштрафован или отлучён от церкви, а его работа конфискована. Только потому, что Веласкес находился под патронажем короля Испании Филиппа IV, его оставили в покое, и это его единственное сохранившееся изображение обнажённой натуры.
В течение почти столетия картина находилась в музее Рокебай-парка в Англии. В 1906 году картина была перемещена в Национальную галерею в Лондоне. Она снова попала в заголовки газет в 1914 году, когда стала жертвой порочного нападения - суфражистка Мэри Ричардсон хотела уничтожить что-то ценное в знак протеста против ареста Эммелин Панкхерст. Она напала на картину с топором, в результате чего на той осталось семь длинных косых полос, но в конечном итоге полотно было полностью восстановлено.
1. «Давид»
Скульптура «Давид» Микеланджело, возможно, самый известный памятник в мире. Тем не менее, немногие заглядывали Давиду в лицо. Это обусловлено двумя причинами. Первая из них – это то, что статуя высотой более 5 метров, а вторая заключается в том, что с 1873 года оригинал статуи находится в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции.
Каждому, кто смотрит со стороны, кажется, что Давид выглядит внушительно и уверенно. Однако вблизи заметно, что его взгляд выдаёт нервозность, агрессивность, и даже страх. Микеланджело придал ему это выражение не случайно, любой человек придёт к заключению, что Давид изображён во время подготовки к сражению с Голиафом. Это подкреплено предположением, что в кисти правой руки Давид держит оружие, скорее всего, камень для пращи.
Два флорентийских врача осмотрели Давида и были поражены уровнем детализации статуи. Напряжённость в правой ноге, напряженные мышцы между бровями, сжатые ноздри - всё это присутствует и всё согласуется с Давидом, который готовится метнуть камень во врага.
Этот вывод также опирается на аспект, который редко обсуждается. Статуя Давида абсолютно не впечатляет размером гениталий, выражение «горошинки Давида» давно стало шуткой среди итальянцев. Большинство людей, которые видят статую, задаются вопросом, почему Микеланджело даровал этому органу такие скромные размеры, учитывая, что он сделал Давида абсолютно совершенным во всех других отношениях. Но, анатомически, сморщенные придатки прекрасно согласуются с образом того, кто готовится к смертельной схватке.
Материал подготовил Дмитрий Оськин - по статье сайта listverse.com
P.S. Меня зовут Александр. Это мой личный, независимый проект. Я очень рад, если Вам понравилась статья. Хотите помочь сайту? Просто посмотрите ниже рекламу, того что вы недавно искали.
Copyright сайт © - Данная новость принадлежит сайт, и являются интеллектуальной собственностью блога, охраняется законом об авторском праве и не может быть использована где-либо без активной ссылки на источник. Подробнее читать - "об Авторстве"
Вы это искали? Быть может это то, что Вы так давно не могли найти?
План реферата
I. Искусство дореволюционной России
II. Влияние исторических событий на развитие советского искусства
1. Революционное творчество
а. Плакатная агитация
б. Советское батальное искусство
3. Военное искусство
а. «Боевой карандаш»
б. Военные характеры
4. Хрущевская «оттепель»
5. Брежневский бюрократизм в искусстве
III. Творческое наследие будущим поколениям
I. Искусство дореволюционной России
Конец XIX - начало XX в. - важный период в развитии русского искусства. Оно совпадает с тем этапом освободительного движения в России, который В.И. Ленин назвал пролетарским. Это было время ожесточенных классовых боев, трех революций - 1905-1907 гг., февральской буржуазно-демократической и Великой Октябрьской социалистической революции, время крушения старого мира. Окружающая жизнь, события этого необычайного времени определили судьбы искусства: оно претерпело в своем развитии много сложностей и противоречий.
В искусстве 1890-х годов обнаружилась следующая тенденция. Многие художники стремились отыскать теперь в жизни прежде всего ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзаж. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве прослеживаются в творчестве таких художников, как А.П. Рябушкин, Б.М. Кустодиев и В. М. Нестеров. В самом конце 1890-х годов в России формируется новое художественное общество «Мир искусства» во главе с А.Н. Бенуа и С. П. Дягилевым, оказавшее большое влияние на художественную жизнь страны.
Перемены в русском искусстве на рубеже двух веков с большей отчетливостью сказались в архитектуре. Подгоняемое развитием капитализма, бурно растет градостроительство. Возводятся банки, различные промышленные здания, строится много доходных домов, ведутся поиски новых типов жилых комплексов. На рубеже XIX - XX вв. И в течение всего первого десятилетия ХХ столетия в русской архитектуре, ровно как и в ряде европейских стран, формируется так называемый стиль модерн (от фр. Современный). В России у его истоков стояли архитекторы Ф. Шехтель, Л. Кекушев, И. Фомин, художники Е. Поленова, М. Якунчикова, С. Малютин.
Следующий этап в истории русского искусства -период XIX - начало XX века (вплоть до 1917 года) -характеризуется, с одной стороны, деятельностью выдающихся мастеров, как В.А. Серов, М.А. Врубель, К.А. Коровин, В. Э. Борисов-Мусатов, и многих других. по своему продолжавших и развивавших реалистические традиции русской культуры, а с другой стороны -активным проявлением, особенно в начале ХХ века, неких новых тенденций, основанных по большей части на отрицании этих традиций, тенденций, сфокусировавшихся в 1910-х годах в получившем мировую известность движении русского авангардизма.
Русскому искусству 1910-х годов пришлось перетерпеть болезни времени. Оно прошло через влияние формалистических течений -кубизма, футуризма, даже беспредметного искусства. Многое из всего этого сейчас лишь достояние истории.
В России 1913-1916 годах получили настоящее теоретическое обоснование формальные поиски и предчувствия парижских живописцев, дорогу к которому открыл Париж, не отважившись, однако, взвалить на себя тяжесть дальнего пути. Движение получившее в России наименование «Футуризм», было формально гораздо богаче и многообразнее того, что последовало за социо -патриотическими словопрениями клуба Маринетти. Русская художественная среда сумела соединить новаторские тенденции кубизма и футуризма, то есть добиться такого синтеза, который оказался недостижим в Париже. Русский синтез был прежде всего концептуальным. Он явился результатом творчества многочисленных группировок художников, объединившихся в петербургской ассоциации «Союз Молодежи». В процессе публичных дебатов, выступлений в печати и театральных постановок в 1913 году под эгидой «Союз молодежи» вырабатывается общая платформа для революционных концепций, которые приведут многих участников к беспредметному искусству.
Ведущие художники начала века правдиво изображали существующую действительность, их искусство направлено против угнетения человека, также оно было пронизано свободолюбием.
II. Влияние исторических событий на развитие советского искусства
2. Революционное творчество
С появлением первого в мире государства рабочих и крестьян перед художниками открылись неведомые прежде горизонты. Советское государство рассматривает явления окружающей жизни с позиции марксистко-лениниского мировоззрения, коммунистической партийности. Глубоко анализируя и изображая события прошлого и настоящего, оно рисует перспективу революционного развития. Успешное развитие искусства после Октября было бы неосуществимо без руководящей и направляющей деятельности Коммунистической партии.
Естественно, что не в один миг осознали художники всю грандиозность задач, вставших перед искусством после революции. Большинство мастеров искусства сразу активно включились в художественную жизнь страны, безоговорочно отдали свое творчество служению Родине.
Закономерно, сто в первые годы Советской власти на первый план вышло Монументальное искусство, которое самым непосредственным образом откликалось на зов времени.
2. Искусство сталинского периода
«1920 - Гражданская война, грязь окопов, обозы с умершими от тифа не смогли убить в народе любовь к искусству. На завьюженных площадях ветер порушил первые панно, ставились монументы рабочих, ученым, идеям труда и свободы. Голод. Люди в страшном напряжении бьются за свои права и за свою жизнь».(Ал. Денейка «Жизнь, Искусство, Время» стр 227).
В период 20-х власть прибирает к рукам всю культурную сферу. Острая необходимость в изображениях способных наглядно разъяснить народу политику Советской власти.
Ленинский план монументальной пропаганды поставил перед художниками большие задачи - они должны были создать образы замечательных людей прошлого: революционеров, философов, писателей, художников, композиторов, артистов. В.И. Ленин указывал, что эти памятники следует ставить вместо старых памятников царей, реакционерам.
Среди художников можно отметить видных представителей Ассоциации Художников революции (АХР) И. Бродского, К. Юона, В. Машкова и других., «Общества художников станковистов»: А. Денейка, Ю. Пименова и других. В 20-е-30-е творят также М. Греков, П. Кончаловский.
Знакомство с советским искусством 20--30-х дает возможность увидеть, с каким воодушевлением стремились художники отразить новое в советской действительности, и среди них мастера старшего поколения, начавшие свой творческий путь задолго до революции. Примером могут служить произведения Б. М. Кустодиева (1878-1927). Его всегда привлекала жизнь толпы, улицы, праздники, ярмарки, базары провинциальных городов и столицы. Он рисует красочные сцены крестьянского и провинциального мещанско-купеческого быта (серия "Ярмарки"). Мастер портрета ("Шаляпин", 1922), театральный художник.
Люди любят все ранжировать, составляя своеобразные «хит-парады» в самых неожиданных номинациях. Даже столь тонкая материя, как искусство, не избежала этой участи, хотя сравнивать художественные произведения очень трудно. Информационный канал Би-Би-Си произвел оценку различных живописных полотен, определив десяток самых выдающихся из них. Безусловно, этот рейтинг весьма спорен, и у читателя может возникнуть вопрос, а где, собственно, Суриков, Левитан, Репин или Шагал, к примеру. Увы, британцы не любят вспоминать о российских достижениях, в том числе и в области изобразительного искусства. Впрочем, такая предвзятость отнюдь не помешает нам восхищаться этими замечательными картинами. Итак:
Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», (конец 1490-х годов)
Сюжет воспроизводит наиболее драматический момент Страстной недели, когда Иисус, ужиная со своими учениками, сообщает им, что вскоре один из них его предаст, а другой отречется от своих убеждений. Иуда, сидящий за столом четвертым слева, всей своей позой выказывает смущение, остальные апостолы выражают удивление и возмущение. Картина написана на стене монастырской трапезной и, к сожалению, претерпела множество повреждений, в результате которых утратила большую часть оригинального авторского письма.
Джованни Беллини, «Праздник Богов» (1514 г.)
Банкет - распространенная тема итальянской живописи XVI века, ему посвящены многие произведения эпохи Возрождения. К примеру, художник Андреа дель Сарто даже изобразил церковь, изготовленную из колбасы и сыра пармезан. В основном картина написана Беллини, но помогал ему молодой Тициан, бывший в то время его учеником. Этот шедевр выполнен в мифологическом жанре. Персонажами стали бог плодородия Приап, нимфы, Юпитер и другие божества, пьющие вино. Новшеством техники стал китайский сине-белый фарфор, недавно завезенный в Европу.
Паоло Веронезе, «Свадьба в Кане» (1563 г.)
Эта яркая и красочная сцена массового праздника висит в итальянском крыле Лувра прямо напротив Моны Лизы, что, к сожалению, способствует репутации одного из самых игнорируемых шедевров всего западного искусства. Свадьба, на которой Христос только что превратил воду в вино, была перенесена из Каны в современную автору Венецию. Нарядно одетые гости, кажется, заняты десертом, но, если присмотреться, можно заметить, что никто из них не ест. Это объясняется тем, что на картине изображены представители высшего класса, которые, в отличие от простолюдинов, считали не очень приличным интересоваться угощениями.
Диего Веласкес, «Триумф Вакха» (1628 г.)
Белокожий, увенчанный листьями плюща, бог вина сидит в веселой компании. Как и положено ему по статусу, он пьян. Рядом с ним загорелые работники в испанских коричневых плащах, выглядящие куда более трезвыми. Художник изобразил мифологическую сцену, довольно редкую в его творчестве. Веласкес отошел от традиционного образа вакхического веселья, на котором, как правило, присутствуют нимфы, и обратился к более натуралистическому стилю, характерному для жанровых сцен (бодегонес).
Питер Пауль Рубенс, «Праздник Ирода» (1635-38гг.)
Крышка блюда приподнимается, а под ней - глава Иоанна Крестителя. Великолепная мрачная живопись Рубенса показывает момент, когда Саломея, станцевав для своего отчима Ирода, получает в награду смерть святого. Человеческая голова подается на праздничный стол вместе с лобстером и дичью. Иродиада, мать Саломеи, тычет в язык Иоанна вилкой, в то время как ее муж охвачен ужасом.
Ян Стен, «Беспутный дом» (1663-64 гг.)
Если в эпоху Высокого Возрождения художники изображали богов или аристократов, то голландские живописцы XVII века обратились к бытовым сценам, иногда насыщенным морально-сатирическим смыслом. Видно, что эти гуляки грешат привычно и обыденно. Человек в черном пытается соблазнить служанку, а женщина на переднем плане так увлечена выпивкой, что не замечает Библию под ногами. Большой окорок, ставший, очевидно, центром этого праздника, забыт на полу, и на него уже заинтересованно поглядывает кошка.
Джон Мартин, «Праздник Валтасара», (1821 г.)
Джон Мартин был одним из самых странных английских художников XIX века. Его манере свойственны апокалиптические видения, но чрезмерная пафосность иногда переходит в откровенный китч. На этой картине он изображает сцену из Книги Даниила, в которой царь вавилонский получает плохое предзнаменование. Грандиозные колоннады до бесконечности, страшные молнии на небе и все такое прочее…
Эдуард Мане, «Завтрак на траве» (1862 г.)
Картины вошла в историю западного искусства, как отвергнутая парижским Салоном и самим Наполеоном III, в ней нарушены все правила перспективы и иконографии. Непонятно также, почему мужчины одеты в современное платье, женщина голая, и при этом люди не глядят друг на друга. Впрочем, возможно, Мане вообще писал не пикник, несмотря на фрукты и булочки, выкатившиеся из корзины на траву. Скорее всего, никакого намека на многозначительную философию, мораль или мифологию нет, художник просто изобразил какой-то факт из современной жизни.
Джеймс Энсор, «Банкет голодающих» (1915 г.)
Когда в начале Первой мировой войны немецкие войска заняли Бельгию, Энсор написал эту горькую пародию на «Тайную Вечерю». На столе убогий обед, состоящий из двух морковок и лука, по всему этому ползают насекомые. Стены украшены ужасными картинами, а люди бесчинствуют. Ужасы войны проявляются не только на полях сражений, но в быту, о чем и повествует это живописное произведение.
Джуди Чикаго, «Ужин» (1974-79 гг.)
Нужно было быть большим поклонником американского феминистского искусства, чтобы занести эту картину в список десятки лучших работ всех времен и народов. На ней изображена сервировка стола для трех десятков великих женщин, имена которых нашим соотечественникам ничего не говорят (за исключением, возможно, Вирджинии Вулф). В центре композиции не еда, а крышки. Чикаго завершила эту работу с помощью 400 добровольцев.
